Harmonogram zajęć KURS DESIGN! 2024

Co by było gdybyśmy zamiast dla ludzi projektowali dla innych gatunków? A może nasze interesy da się pogodzić i powinniśmy szukać rozwiązań dobrych dla człowieka, jak i roślin i zwierząt? Podczas zajęć przyjrzymy się różnym podejściom do projektowania dla użytkowników, którzy nie są ludźmi oraz zastanowimy się, jak możemy poznać ich potrzeby.

Agata Szydłowska — doktora nauk humanistycznych w zakresie etnologii, absolwentka historii sztuki na UW oraz Szkoły Nauk Społecznych przy Instytucie Filozofii i Socjologii PAN. Autorka książek, m.in. „Futerał. O urządzaniu mieszkań w PRL” (wyd. Czarne). Kuratorka i współkuratorka wystaw poświęconych polskiemu projektowaniu pokazywanych m. in. na Wanted Design w Nowym Jorku, czy w ramach Tokyo Designers Week. W 2019 roku współtworzyła (razem z Małgorzatą Gurowską i Maciejem Siudą) wystawę w pawilonie polskim na XXII Triennale di Milano „Broken Nature. Design Takes on Human Survival” zatytułowaną „MYKOsystem”. Jej zainteresowania badawcze koncentrują się na historii projektowania graficznego, historii dizajnu, jego społecznych i politycznych kontekstach, antropologicznym namyśle nad projektowaniem i dizajnie w kontekście posthumanizmu.

Na zajęcia przygotować: papier i długopis do notowania

Jak uwzględnić potrzeby użytkowników w procesie projektowania, czyli czego i jakimi metodami możemy się dowiedzieć o osobach, dla których projektujemy? Czy zawsze trzeba prowadzić badania? Zajęcia będą omawiać sposoby wykorzystania danych w projektowaniu. Uczestniczki i uczestnicy dowiedzą się, skąd je wziąć i jak, bazując na nich, przejść od ciekawych informacji do wytycznych projektowych.

Karolina Dudek — doktora nauk społecznych w zakresie socjologii. Absolwentka Szkoły Nauk Społecznych przy IFiS PAN, studiów podyplomowych Instytutu Polonistyki Stosowanej UW, zarządzania i marketingu oraz stosunków międzynarodowych w Szkole Głównej Handlowej, etnologii na Uniwersytecie Warszawskim. Ekspertka Colliers Define, doradzająca w kompleksowych procesach planowania, projektowania, organizowania i transformacji przestrzeni dla dużych korporacji. Odpowiada za badanie potrzeb firm i ich pracowników, formułowanie strategii hybrydowego środowiska pracy i zarządzanie zmianą. Jej zainteresowania badawcze koncentrują się na organizacjach i organizowaniu, designie i pracy, wykorzystywaniu badań w projektowaniu, antropologii przestrzeni i antropologii wizualnej.

Na zajęcia przygotować: papier i długopis do notowania.

Zajęcia będą omawiać rolę projektantek i projektantów form przemysłowych w kontekście umiejętności kształtowania formy produktu z uwzględnieniem założeń technicznych i użytkowych. Będą składać się z części teoretycznej i praktycznej. W pierwszej skupimy się m.in. na kluczowych okresach i nurtach stylistycznych. W drugiej zostanie zrealizowane zadanie praktyczne polegające na zaprojektowaniu prostego produktu uwzględniając materiały i technologie przedstawione na wykładzie.

Dominik Głąb — absolwent Wydziału Wzornictwa ASP w Warszawie. Stanowisko adiunkta w Katedrze Podstaw Projektowania łączy z pracą senior designera w studiu projektowym Kaniewski Design. Współpracował także z MPM Produkt (otrzymał nagrodę Dobry Wzór za projekt sprzętu AGD), Instytutem Mechanizacji Budowlanej i Górnictwa Skalnego (projekt ładowarki), Mennicą Polską (stworzył nową gamę produktów numizmatycznych), firmą Xicorr (zaprojektował zegarki Syrena Sport oraz Operator). Należy do Stowarzyszenia Projektantów Form Przemysłowych. Jako wykładowca na Wydziale Wzornictwa w Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie wraz z Jackiem Surawskim współprowadzi Pracownię Podstaw Projektowania 3, kontynuującą myśl profesora Cezarego Nawrota.

Na zajęcia przygotować: kartki A3, długopisy do rysowania i notowania.

Współczesne projektowanie skupia się na użytkowniku i zaspokajaniu jego potrzeb. Obejmuje coraz więcej obszarów. Jednym z nich jest „projektowanie społeczne” próbujące rozwiązywać problemy osób wykluczonych, osób z niepełnosprawnościami, ginących zawodów, środowiska czy krajów rozwijających się. Zajęcia przybliżą temat „projektowania społecznego” i pozwolą zrozumieć jak do niego podchodzimy na Wydziale Wzornictwa ASP w Warszawie.

Michał Stefanowski — kierownik Katedry Projektowania na Wydziale Wzornictwa ASP w Warszawie. Projektant produktów, małej architektury, opakowań, systemów informacji i komunikacji wizualnej. Autor i współautor projektów kilkudziesięciu produktów, kilku systemów informacji, oraz licznych projektów graficznych i wizerunkowych. Współautor projektów m.in. Miejskiego Systemu Informacji w Warszawie, systemów informacji Biblioteki Uniwersytetu Warszawskiego i Zamku Królewskiego w Warszawie, oraz identyfikacji wizualnej Narodowego Banku Polskiego. Autor artykułów o wzornictwie, kurator wystaw, juror konkursów. Koordynator programów współpracy Wydziału Wzornictwa ASP w Warszawie z partnerami zewnętrznymi, np. IKEA, Nokia, Holon Institute of Technology w Izraelu oraz Izmir University of Economics w Turcji.

Na zajęcia przygotować: kartki A3, długopisy do rysowania i notowania.

Czy obraz może być przedmiotem użytkowym? A jeśli tak to do czego służy? Czy podział na sztukę czystą i użytkową ma sens i jakie są jego konsekwencje? Osoby uczestniczące w zajęciach teoretyczno-ćwiczeniowych z Mikołajem Chylakiem będą okazją do rozmowy na te i inne tematy a w drugiej części spotkania wykonają zadanie malarskie.

Mikołaj Chylak jest artystą wizualnym. Prowadzi Pracownię Malarstwa i Rysunku na Wydziale Wzornictwa ASP w Warszawie. Obronił pracę doktorską zatytułowaną „Atlas jako zbiór i podróż” na Wydziale Malarstwa warszawskiej ASP (2019). Stypendysta Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego (2018). W 2022 wspólnie z ukraińską artystką Lesią Khomenko stworzył pracę prezentowaną w przestrzeni miejskiej Berlina w ramach projektu IAM „Zabójstwo do przyjęcia” oraz w galerii Artsvit (Dniepr). Swoje prace prezentował m.in. w Biurze Wystaw, Galerii Kordegarda, Galerii Promocyjnej, Instytucie Polskim w Berlinie i Lipsku, Filharmonii Podlaskiej, Filharmonii Szczecińskiej, Teatrze Nowym, Żydowskim Instytucie Historycznym, Muzeum Polin, Muzeum Powstania Warszawskiego, Muzeum im. Zofii i Wacława Nałkowskich, Sichuan Fine Arts Institute. Współtworzy Pracownię Wschodnią na warszawskiej Pradze. Wolontariusz i członek rady programowej Stowarzyszenia Pogoń Ruska, z którym jeździ regularnie z pomocą humanitarną do Ukrainy.

Na zajęcia przygotować: ołówki, pędzle, farby akrylowe, kubek na wodę, klipsy do papieru lub taśma malarska, szkicownik w dowolnym formacie / zapewniamy arkusze brystolu w formacie B1.

Papieroplastyka będzie punktem wyjścia do tworzenia interpretacji przestrzennych za pomocą elementów malarskich. W ramach zajęć zostaną omówione zagadnienia m.in. kompozycji, form, barwy, struktur przestrzennych, światła. Uczestniczki i uczestnicy zajęć przyjrzą się przykładom historycznych działań papieroplastycznych oraz projektowaniu przemysłowemu tkanin m.in. w kontekście wystawiennictwa czy reklamy handlowej. Wykonają szkice malarskie i przestrzenne determinowane kolorem oraz strukturami malarskimi. 

Paulina Włostowska zajmuje się malarstwem, realizacją murali, liternictwem i tkaniną, a także niskonakładową grafiką warsztatową: tworzy autorskie ziny i artist booki. Prowadziła artystyczną pracownię gościnną w semestrze zimowym roku akademickiego 2023/24 na Wydziale Wzornictwa ASP w Warszawie. Obroniła dyplom w pracowni prof. Jarosława Modzelewskiego na Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Uzyskała również specjalizację w pracowni tkaniny tradycyjnej u prof. Doroty Grynczel. Jej prace były pokazywane m.in. w Muzeum Warszawy, Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie, Gdańskiej Galerii Miejskiej, Muzeum Lniarstwa w Żyrardowie oraz w Miejscu Projektów Zachęty w Warszawie. Współpracuje z galerią Polana Institute. Stypendystka Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego.

Na zajęcia przygotować: ołówki, flamastry, kolorowy papier, nożyczki, ścinki papierów, folii, tektur i innych dowolnych materiałów plastycznych, farbki wodne, pędzle, klej, taśmę klejącą.

Zajęcia rozpoczną się prezentacją wprowadzającą zagadnienia z zakresu komunikacji wizualnej i możliwego wykorzystania jej narzędzi w działaniach o charakterze aktywistycznym. Ćwiczenia warsztatowe będą rozwijać umiejętności komponowania tekstu i obrazu w przestrzeni 2d. Podstawy z zakresu typografii mogą być pomocne między innymi w przygotowaniu prezentacji lub portfolio.

Magdalena Małczyńska-Umeda specjalizuje się w projektowaniu informacji wizualnej, a w szczególności przedstawień danych liczbowych, diagramów i modeli czerpiąc między innymi z dorobku ISOTYPE Movement. Absolwentką warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych, na której obroniła pracę doktorską zatytułowaną „Infografika jako narzędzie poznania świata i zrozumienia samego siebie – kiedyś i dziś” (2017). Na co dzień prowadzi działalność projektową w StoryVisio starając się łączyć analizę przedstawianych danych i zjawisk z atrakcyjną i czytelną formą graficzną tak, by realizowane projekty uczynić skutecznymi komunikatami. Jest współzałożycielką Stowarzyszenia Twórców Grafiki Użytkowej.

Jakub Jezierski ukończył Wydział Architektury Politechniki Warszawskiej. Prowadzi niezależną działalność projektową w zakresie projektowania wystawienniczego, systemów informacji wizualnej dla instytucji kultury oraz grafiki wydawniczej dla fundacji kulturalnych. Specjalizuje się w projektowaniu prasowym, edytorskim i typografii. Oprócz współpracy z dużymi wydawnictwami tj. Bonnier Media i G+J, w swoim portfolio ma projekty dla Muzeum Narodowego w Warszawie, Muzeum Sztuki Współczesnej w Warszawie, Teatru Nowego, Teatru Studio, Narodowego Instytutu Audiowizualnego i Instytutu Adama Mickiewicza.

Na zajęcia przygotować: kartki formatu A4 lub szkicownik, nożyczki, klej do papieru w sztyfcie, linijkę, ołówek, czarny marker.

Zajęcia będą dotyczyły komponowania brył i płaszczyzn. Osoby uczestniczące będą mogły rozwinąć swoją wiedzę m.in. w zakresie podstaw kompozycji, czasoprzestrzeni oraz narzędzi fotografii z elementami wideo. Ćwiczenia będą również obejmować pracę nad poprawnym wykonaniem reprodukcji fotograficznych swoich realizacji.

Antonina Konopelska — artystka multimedialna skupiona na zagadnieniach takich jak tożsamość, relacje międzyludzkie, proksemika – także w kontekstach społecznych. Pracuje z ruchem i dźwiękiem. Autorka i uczestniczka wystaw indywidualnych i grupowych m.in w Warszawie, Krakowie, Londynie, Nowym Jorku, Los Angeles, Sztokholmie. Prowadziła wykłady gościnne m.in. w ArtCenter College of Design w Pasadenie i Ratcliffe Art+Design Incubator w Miami.

Na zajęcia przygotować: nóż introligatorski lub nożyczki, klej papierniczy, taśmę dwustronną, smartfon z funkcją aparatu fotograficznego lub aparat fotograficzny.

Zajęcia z podstaw projektowania zaznajamiają uczestniczki i uczestników kursu z zagadnieniami związanymi z procesem projektowym. Wyjaśnimy jak identyfikować i definiować problemy w otaczającej nas rzeczywistości oraz jak szukać możliwości ich sensownego rozwiązania. Spotkanie będzie podzielone na dwie części: pierwsza będzie skupiona na teoretycznym wprowadzeniu uczestników w podstawowe zagadnienia związane z projektowaniem a w drugiej wspólnie spróbujemy rozwiązać wybrane problemy projektowe.

Robert Pludra — projektant produktu, wykładowca. W 2013 roku obronił doktorat z obszaru designu społecznego na Wydziale Wzornictwa Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Brał udział w ponad pięćdziesięciu wystawach na najważniejszych festiwalach dizajnu (m.in. w Mediolanie, Londynie, Paryżu, Berlinie czy Tokyo). Jest zdobywcą pierwszej nagrody w konkursie ScrapLab Design Contest w Monachium, w dziedzinie ekologicznego projektowania, laureatem stypendium Narodowego Centrum Kultury “Młoda Polska”. Zasiadał w kapitułach konkursowych: Green Product Award w Niemczech, Siemens Future Living Award oraz Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego.

Wojciech Małolepszy zajmuje się projektowaniem aparatury medycznej, urządzeń elektronicznych, sprzętu gospodarstwa domowego i wyrobów z tworzyw sztucznych. Większość projektów, w których uczestniczył została wdrożona lub czeka na realizację. Najbardziej ceni sobie nagrodę Instytutu Wzornictwa Przemysłowego Dobry Wzór za projekt sokowirówki 476 produkowanej przez Zelmer SA.

Na zajęcia przygotować: brystol 70×100 cm, kartki A3, ołówki, cienkopisy, flamastry, gumkę, nożyczki, nóż do papieru, taśmę klejącą, klej, ew. zszywacz biurowy.

Zajęcia będą skupione na pracy warsztatowej która pozwoli poznać podstawowe elementy i czynniki konstytuujące produkty oraz proces projektowy. Będziemy zwracać uwagę uczestniczek i uczestników warsztatów na kontekst, właściwości konstrukcyjne materiałów i ich wpływ na budowę formy przedmiotu. Wspólnie przećwiczymy operowanie środkami wyrazu plastycznego w kontekście projektowania zorientowanego na rzeczywiste potrzeby użytkownika.

Bronka de Sage otrzymała dyplom magisterski z wzornictwa przemysłowego w Central Saint Martins w Londynie. Wcześniej studiowała na Wydziale Form Przemysłowych Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie oraz Uniwersytecie Jagiellońskim. Brała udział w tworzeniu projektów dla takich marek jak Kenzo Parfums, Chandon, Visa Europe, Huawei czy LG. Współtworzyła projekty zorientowane na społeczność m.in. we współpracy z radą dzielnicy Camden w Londynie. Od 2022 roku związana z Wydziałem Wzornictwa warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych.

Jan Buczek jest absolwentem Wydziału Wzornictwa Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie oraz podyplomowych studiów z zakresu zarządzania wzornictwem na kierunku Design Management w Szkole Głównej Handlowej oraz Instytucie Wzornictwa Przemysłowego. W 2008 roku odbył stypendium naukowe w Szwajcarii w Zürcher Hochschule der Künste na wydziale Industrial Design.

Na zajęcia przygotować: kartki A3 i A4, ołówki, cienkopisy, flamastry, gumkę, linijki, ekierki, cyrkiel, blok techniczny A4, nożyk do cięcia papieru lub nożyczki, podkładki do cięcia.

Zajęcia będą omawiać zasady rysunku technicznego oraz produktowego pokazującego bryłę i konstrukcję, a także zagadnienia z obszaru budowania wizualnej narracji. Osoby uczestniczące dowiedzą się z jakich elementów powinno składać się czytelne podanie projektu i jak ilustrować (zamiast opisywać) idee.

Zuzanna Łąpieś — rysowniczka, projektantka produktu i grafiki użytkowej. Laureatka Nagrody Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego dla studentów uczelni artystycznych za osiągnięcia w twórczości artystycznej. Zaangażowana w edukację plastyczną oraz aktywizację artystyczno-społeczną. Współpracowała min. z Muzeum Narodowym w Warszawie, Narodową Galerią Sztuki Zachęta, Jednostką Wojskową GROM. Asystentka na macierzystej uczelni od 2013 roku.

Sebastian Zgutka — absolwent Technologii Drewna na SGGW w Warszawie i dyplomant projektowania produktu i komunikacji wizualnej na Wydziale Wzornictwa ASP w Warszawie. Specjalizuje się w projektowaniu mebli oraz obuwia sportowego. Przed zdobyciem doświadczenia projektowego zajmował się konstrukcją i technologią mebli oraz wyposażenia wnętrz m.in. dla Levi’s, EDAG i Hola Design Studio. Pracował w takich firmach jak Forte, Cedros czy Ecco. Obecnie współpracuje z Towarzystwem Opieki nad Ociemniałymi i Niedowidzącymi w zakresie projektowania wzorniczego dla niewidomych. Pracuje również jako footwear designer, projektując obuwie sportowe dla marki 4F.

Na zajęcia przygotować: kartki A3, ołówki, cienkopisy, flamastry (czarny, szary i dowolny kolor), gumkę, nożyczki, taśmę klejącą.

Zajęcia skupione są na zagadnieniach dotyczących projektowania w większej skali z uwzględnieniem potrzeb dużych i zróżnicowanych grup odbiorców. Celem zajęć jest zwrócenie uwagi na silne oddziaływanie społeczne projektowania w sferze publicznej, które wymaga szukania rozwiązań odpowiedzialnych. W trakcie zajęć omówione zostanie hasło dostępność, w kontekście projektowania publicznego. Spotkanie będzie podzielone na dwie części. Pierwsza część teoretyczna wprowadzi i wyjaśni niezbędne pojęcia i określi problemy. W drugiej części osoby uczestniczące zmierzą się z ćwiczeniem projektowym.

Kamil Kowalski — dyrektor Integracja LAB w Fundacji Integracja. Wykładowca ergonomii na Wydziale Wzornictwa ASP w Warszawie. Absolwent Wydziału Architektury Wnętrz na warszawskiej ASP. Laureat m.in. Nagrody Ministra Infrastruktury oraz Medalu Stulecia Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Ekspert w zakresie projektowania uniwersalnego i dostępności architektonicznej, prowadzący projekty badawcze dotyczące dostępności m.in. kinematografii, szkolnictwa i obiektów komercyjnych. Ekspert Narodowego Centrum Kultury w zespole sterującym programu „Rozwój infrastruktury kultury” (2012-2014) oraz w zespole pracującym przy Ministerstwie Infrastruktury i Budownictwa nad zmianami przepisów budowlanych (2016-2017), członek jury konkursu Dobry Wzór organizowanego przez Instytut Wzornictwa Przemysłowego (od 2020) i Rady Dostępności (od 2020).

Jakub Marzoch — projektant produktu, przestrzeni oraz grafiki. Ukończył Wydział Wzornictwa ASP w Warszawie, gdzie obecnie wykłada w ramach Pracowni Kreacji Przekazu. W 2022 roku obronił doktorat z obszaru projektowania ubioru outdoorowego. Zawodowo zajmuje się projektowaniem, w szczególności specjalistycznych produktów tekstylnych oraz sprzętu outdoorowego. Jego dzieła prezentowane były w ramach wystaw Dobry Wzór, Graduation Projects, Make Me, Projektowanie Wszędzie, targi ISPO w Monachium. Marzoch projektuje także kompleksowe rozwiązania graficzne i przestrzenne takie jak branding, systemy informacji wizualnej czy wystawy. Wraz z Towarzystwem Projektowym stworzył system nośników i informacji wizualnej dla Dzielnicy Wisła. Projekt otrzymał główną nagrodę w konkursie PGD Awards oraz nominację do Nagrody Architektonicznej Prezydenta Warszawy.

Na zajęcia przygotować: kartki A3 i A4, ołówki, cienkopisy, flamastry, gumkę, linijki, ekierki, cyrkiel

Zajęcia będą poświęcone krytycznemu spojrzeniu na projektowanie mody w kontekście współczesnych problemów i zagrożeń zdefiniowanych przez dzisiejszą politykę, ekonomię, socjologię i kulturę.

Janusz Noniewicz jest kierownikiem Katedry Mody Wydziału Wzornictwa ASP w Warszawie. Zajmuje się badaniem mody w kontekście teorii i praktyk krytycznych. Jego projekty były prezentowane w ramach wystaw krajowych i międzynarodowych m.in. w Austrian Culture Center Gallery w Londynie, MQ w Wiedniu, CSW Zamek Ujazdowski w Warszawie, BWA w Tarnowie, Galeria Slendzińskich w Białymstoku. Brał udział w konferencjach naukowych w ASP w Warszawie, UJ w Krakowie, UAM w Poznaniu.

Na zajęcia przygotować: papier i długopis do notowania.

Wykład wprowadzi przyszłe osoby studenckie (i nie tylko!) w problematykę zagadnień związanych z historią i teorią mody. Spotkanie pozwoli zrozumieć czym jest fenomen mody, jak historycznie kształtował się jej obraz i jak stawał się tematem badawczym. Duży nacisk położony zostanie na analizę mody w kontekście sztuki.

Aleksandra Jatczak-Repeć jest obserwatorką branży mody, historyczką mody i sztuki, absolwentką Instytutu Historii Sztuki UW, gdzie uzyskała tytuł doktora sztuki, dzięki pracy badawczej poświęconej powszechnej modzie powojennej (2020). Od 2010 roku prowadzi pracownię Historii i Teorii Mody w Katedrze Mody Wydziału Wzornictwa Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie, inicjuje interdyscyplinarne warsztaty i realizuje projekty międzyinstytucjonalne. Jest kuratorką wielu wystaw o modzie, konsultantką merytoryczną projektów z zakresu historii mody, m. in. polskiej edycji autobiografii Christiana Diora, anglojęzycznej publikacji Reason and Flair. A Century of Fashion in Poland czy multimedialnego przewodnika Instytutu Adama Mickiewicza o historii polskiej mody. Jatczak jest także autorką artykułów naukowych i popularnonaukowych z dziedziny sztuki, publikowanych m. in. na łamach “Vogue.pl”.

Na zajęcia przygotować: papier i długopis do notowania.

Sprzeciw wobec rasizmu i łamania praw człowieka, kultura i tożsamość queer, walka o widoczność osób transpłciowych, a także osób z niepełnosprawnościami. Wojna w Ukrainie oraz głos Palestyńczyków i Palestynek. Analiza pojęć naród i wspólnota. Symbioza ze sztukami plastycznymi. Na współczesną modę i jej wizualną oprawę żywo wpływają zjawiska i procesy społeczno-polityczne. Przekaz ideowy stał się rdzeniem mody i jej kołem napędowym. Marcin Różyc, krytyk mody i kurator, opowie o tym jak zabieranie głosu w sprawach praw człowieka, wyrażanie poglądów, zajmowanie stanowiska i rozliczanie się w własną przeszłością stało się ważniejsze, niż poszukiwanie nowej formy estetycznej.

Marcin Różyc jest krytykiem mody, wykładowcą i kuratorem wystaw. Zajmuje się badaniem szeroko pojętych relacji mody ze sztuką, polityką i przemianami społecznymi. Na stałe związany jest z „Vogue Polska” i Centralnym Muzeum Włókiennictwa w Łodzi, gdzie zajmuje się rozwojem kolekcji mody współczesnej. Współpracował między innymi z Uniwersytetem Warszawskim, London College of Fashion, Topographies des Terrors w Berlinie, Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie, BWA w Tarnowie. Jest autorem książek „Nowa moda polska” (Warszawa 2012), „Chrysalis” (Londyn 2016) i innych.

Na zajęcia przygotować: papier i długopis do notowania.

Moda jest zjawiskiem ulotnym. Ma jednak niezwykła siłę sprawczą, która wpływa na rozwój przemysłu, nadaje kierunek sztuce. Najcenniejsze jest to co po sobie pozostawia, a co nie jest już modą, a jej przeciwieństwem. Materialnym świadectwem minionej epoki, które urzeka nas pięknem zamkniętym w spłowiałych i nadwątlonych przez czas tkaninach. Tkaniny, o których będzie mowa na wykładzie są pretekstem do pokazania tajemnic rzemiosła tkackiego, mało znanej dziedziny sztuki pozostającej na usługach mody. Historia tkanin to historia cywilizacji, przenikania się kultur i ich wzajemnego oddziaływania. Wzory na tkaninach to nie tylko plastyczne kompozycje, to zamknięty w zdobniczych formach obraz świata  przekazywany z pokolenia na pokolenie. Nić tkacka łączy nas z naszymi przodkami jak zapisany w łańcuchach chromosomów kod genetyczny.

Ewa Orlińska-Mianowska zaprasza na swój wykład, do którego wprowadza wstęp jej książki Modny świat XVIII i początku XIX wieku. Autorka w trakcie swojej prezentacji postara się rozwinąć i wyjaśnić swoją myśl.

Ewa Orlińska-Mianowska — historyczka sztuki, kuratorka Zbiorów Sztuki Zdobniczej, wieloletnia kustoszka Kolekcji Tkanin, autorka i współautorka: katalogów, słowników, tekstów naukowych i popularnonaukowych. Popularyzatorka wiedzy o tkaninach zabytkowych i modzie historycznej. Kuratorka wystawy Modny świat XVIII i początku XIX wieku w Muzeum Narodowym w Warszawie (2003).

Na zajęcia przygotować: papier i długopis do notowania.

Podczas spotkania spróbujemy zrozumieć, czym jest widzenie i w jaki sposób procesy poznawcze przekładane są na język obrazu. W procesie tym wiodącą rolę odegra rysunek odręczny, który stanowi podstawowe narzędzie w aktywnościach zarówno kreatywnych jak i tych, pozornie niezwiązanych z działalnością twórczą. Za pomocą rysunku poddamy przedmioty analizie, poznamy materiał z jakiego zostały wykonane, ich kształt, formę oraz charakter i różnorodność. Wyznaczymy skalę i zależności przestrzenne. Zobaczymy przykłady, w których język rysunku i myślenie rysunkowe przekładają się na projektowanie ubioru.

Agnieszka Rożnowska jest artystką wizualną, graficzką, pedagożką, profesorką. ASP w Warszawie. W swojej twórczości podejmuje problem relacji międzyludzkich, zależności człowieka od przestrzeni oraz jego kondycji w czasach chaosu i masowej konsumpcji. Refleksję intelektualną zawiera najczęściej w cyklach, bez ograniczeń co do medium czy techniki.  Zrealizowała szereg warsztatów, wystaw indywidualnych i zbiorowych w Polsce i zagranicą. Od 2010 roku prowadzi Pracownię Rysunku w Katedrze Mody warszawskiej ASP, która przygotowuje przyszłych projektantów do umiejętnego wykorzystywania warsztatu rysunkowego – niezastąpionego narzędzia w procesie kształtowania i formalizowania wypowiedzi, zapisu procesu myślenia i tworzenia.

Na zajęcia przygotować: miękkie grafity, miękkie ołówki, czarny tusz, gumka, cienkopisy, pędzel / zapewniamy arkusze brystolu w formacie B1.

Jak w wizualny sposób opowiadać o sobie samym/samej? Skąd się wzięliśmy/wzięłyśmy? Gdzie znajduje się to nasze „coś”? W odpowiedzi na te pytania powstaną moodboardy tworzące krajobraz osobowości i zainteresowań w kontekście mody i sztuki – iDentityBook.

Należy przygotwać wydrukowane referencje do poniższych zagadnień wokół których stworzymy strony w szkicowniku:

• Ulubiony vs. Najbardziej znienawidzony okres w modzie
• 3 najbardziej inspirujące marki/projektanci mody
• Filmy/dzieła sztuki/książki/itp. które zrobiły na Tobie wrażenie
• Rzeczy: które widzisz wszędzie; bez których nie możesz żyć; o których wolałbyś/wolałabyś zapomnieć
• Dodatkowo możecie przygotować jakiekolwiek materiały wizualne, o których chcecie opowiedzieć w swoim szkicowniku

Kamil Wesołowski — absolwent Instytutu Ubioru Akademii Sztuk Pięknych w Łodzi, gdzie obecnie wykłada. Swoje projekty prezentował m.in. na wybiegu podczas prestiżowego konkursu Złota Nitka (2021). Ubierał m.in. Marię Peszek, Bellę Ćwir, Julię Wieniawę, Young Igi, Filipkę Rutkowską oraz osoby z Kiki House of Sarmata. Jego projekty występują na wystawach, dotykają kwestii języka, stereotypów genderowych, zderzając mity, popkulturę, balansując pomiędzy sztuką a projektowaniem ubioru. 

Na zajęcia przygotować: szkicownik w dowolnym formacie, pisaki, kredki, markery, taśmy, spinacze, zszywacz, klej, różne papiery, wycinki z gazet oraz wszystko inne, co może Wam się przydać!

Podczas zajęć zostanie zaprezentowany temat, do którego osoby uczestniczące będą się odnosić w sposób przestrzenny. Powstałe odpowiedzi staną się pretekstem do rozmowy o formie rzeźbiarskiej w kontekście przestrzeni i sylwetki człowieka. 

Cezary Koczwarski — artysta, rzeźbiarz, twórca i autor realizacji wideo. Wykształcony w legendarnej pracowni Grzegorza Kowalskiego na Wydziale Rzeźby warszawskiej ASP. Laureat wielu nagród dla młodych artystów. Stopień doktora uzyskał na Wydziale Rzeźby. Od 2011 roku wykłada w Pracowni Rzeźby prof. Wiktora Gutta.

Na zajęcia przygotować: nożyczki / zapewniamy arkusze czarnego i białego papieru w formacie B1.

_

Po zajęciach (do godz. 15:00) zapraszamy do udziału w wydarzeniu SZYJMY RAZEM w Katedrze Mody, więcej informacji

Jeśli potrzeba jest matką wynalazku, to jakie wyzwania formalne stawia przed odzieżą przetrwanie z dala od cywilizacji? Skoro w projektowaniu forma podąża za funkcją, to jakich efektów możemy spodziewać się w trudnych warunkach życia? Czy możliwe jest projektowanie rozwiązań wolnych od reprodukowania trendów i stylistyk? Na zajęciach podejmiemy refleksję nad formami odzieżowymi odpowiadającymi podstawowym ludzkim potrzebom.

Agata Maciejewska – z wykształcenia projektantka odzieży, pracuje w zawodzie od 17 lat. Ma doświadczenie w pracy dla firm zewnętrznych oraz w prowadzeniu własnej marki odzieżowej. Interesuje ją etyka i ekologia w praktykach twórczych oraz w przemyśle odzieżowym. Pasjonatka rzemiosła, promotorka robótek ręcznych i wielbicielka sztuki prehistorycznej. Od dwóch lat uczy projektowania odzieży oraz podstaw szycia w School of Form USWPS. 

Na zajęcia przygotować: papier (format A4 lub A3), narzędzia do rysowania; mile widziane kredki, flamastry, akwarele — to, czym lubisz szkicować. 

Celem zajęć jest przybliżenie w jaki sposób przeistoczyć pomysł w projekt, a następnie stworzyć trójwymiarową bryłę odpowiadającą sylwetce człowieka. Osoby uczestniczące w zajęciach będą mogły poznać podstawowe metody realizacji rozwiązań konstrukcyjnych na płaszczyźnie oraz sposoby modelowania przestrzennego oraz dowiedzieć się w jaki sposób czytać projekt oraz umiejętnie przygotować przestrzeń do jego realizacji. W trakcie spotkania uczestnicy przeprowadzą próby realizacji projektu w wybranej i omówionej metodzie konstrukcji i modelowania form ubioru.

Krzysztof Skorupka — projektant, konstruktor, pedagog. Absolwent Wydziału Tkaniny i Ubioru Akademii Sztuk Pięknych w Łodzi. Finalista i laureat konkursów krajowych i międzynarodowych w dziedzinie projektowania ubioru m.in.: Smirnoff, Złota Nitka, Yk2 Gorizia Italia, Oscary Mody, Bilderwelk Berlin. Współpracuje z największymi markami odzieżowymi w ramach przygotowania kolekcji i wdrażania ich do produkcji. Od 2015 roku prowadzi zajęcia w Pracowni Konstrukcji i Technologii Ubioru. W swojej działalności zawodowej i naukowej zwraca szczególną uwagę na nierozerwalny związek pomiędzy projektem (dzieło), a rzemiosłem (realizacja produktu) co stanowi o sensie, powodzeniu, jakości i sukcesie twórczym jak i zawodowym

Na zajęcia przygotować: ​szkicownik, przybory do szkicowania, nożyce, szpilki

Na zajęciach uczestnicy dowiedzą się m.in. jak przygotować portfolio, jak wybrać i pokazać prace tak, aby zaprezentować swoje umiejętności i osobowość artystyczną. Spotkanie będzie składało się z wykładu wprowadzającego, ćwiczenia graficznego i korekt.

Dominika Raczkowska-Wirkowska jest graficzką, absolwentką warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych, gdzie przez cztery lata była asystentką prof. Grażki Lange w Pracowni Typografii Wydziału Grafiki. Dyrektorka artystyczna czasopism: „Dziennik–Gazeta Prawna”, „Puls Biznesu”, „Tygodnik Biznes i Prawo”. Prowadzi własne studio graficzne, a od 2013 roku specjalny kurs projektowania graficznego dla studentów Katedry Mody Wydziału Wzornictwa ASP w Warszawie.

Na zajęcia przygotować: papier formacie A3 lub A4 (40 -50 arkuszy), szkicownik, klej, nożyczki, taśmy klejące, flamastry, pędzle, tusze albo farby, kubeczki na wodę (opcjonalnie stare gazety modowe i kawałki materiałów)

Na zajęciach uczestnicy i uczestniczki zinterpretują zadany temat, projektując w formie rysunkowej/kolażowej sylwetki modowe. Zastanowimy się nad przekazem i interpretacją tematu, analizując w praktyce proces projektowy. Przyjrzymy się możliwym rozwiązaniom w kontekście kulturowym oraz zastanowimy się nad sformułowaniem ideii kolekcji oraz dobraniem środków wyrazu, które najlepiej ją oddają. 

Zuzanna Srebrna — absolwentka Wydziału Sztuki Nowych Mediów oraz Wydziału Rzeźby warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych. Scenografka, kostiumografka, rzeźbiarka i twórczyni instalacji. Od 2010 roku zrealizowała scenografię i kostiumy do ponad trzydziestu spektakli, w najważniejszych ośrodkach teatralnych w całej Polsce. Wiele z nich otrzymało prestiżowe nagrody oraz było pokazywanych na najważniejszych festiwalach w Polsce, a także za granicą (m.in.The Edinburgh Festival Fringe, Polish Season in China, Boska Komedia w Krakowie, Kontrapunkt w Szczecinie). 

Na zajęcia przygotować: papier formacie A3 lub A4, szkicownik, klej, nożyczki, taśmy klejące, flamastry, cienkopisy, pędzle, tusze albo farby, kubeczki na wodę, stare gazety, kawałki materiałów, folii, kolorowych papierów, smartfon z połączeniem internetowym.

Na zajęciach zajmiemy się projektowaniem, interpretacją i realizacją pomysłów na tkaniny w groszki. Zastanowimy się jaki charakter i jaką formę mogą przybierać groszki na tkaninie i przy pomocy jakich technik pracy z tkaniną można je zrealizować.

Magdalena Komar jest projektantką tkanin, absolwentką paryskiej ESMOD, którą ukończyła z nagrodą specjalną Michele Lemaire oraz Multi Media Textiles w Loughborough College of Art and Design. Zajmuje się projektowaniem nowoczesnych haftów, aplikacji i wzorów na materiały do kolekcji prêt-à-porter i haute couture. Jej projekty zostały kupione przez takie firmy jak Donna Karan i DKNY, Alexander Wang, Chanel, Calvin Klein Home, Diane von Furstenberg, Kate Spade, Banana Republic, Victoria’s Secret, Atelier Montex, Fendi inne. Od 2010 roku prowadzi Pracownię Projektowania Tkanin na Katedrze Mody warszawskiej ASP. W 2019 roku ukończyła studia socjologii w Collegium Civitas w Warszawie, w 2022 uzyskała stopień doktora na Wydziale Wzornictwa Przemysłowego w Warszawie.

Na zajęcia przygotować: igłę, nitkę, nożyczki, cyrkiel, papier kolorowy w dowolnym formacie, blok papieru w formacie A3, farby, flamastry, klej, sznurek, linijkę