Harmonogram zajęć KURS DESIGN! 2026

Robert Pludra — projektant produktu, wykładowca. W 2013 roku obronił doktorat z obszaru designu społecznego na Wydziale Wzornictwa Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Brał udział w ponad pięćdziesięciu wystawach na najważniejszych festiwalach dizajnu (m.in. w Mediolanie, Londynie, Paryżu, Berlinie czy Tokio). Jest zdobywcą pierwszej nagrody w konkursie ScrapLab Design Contest w Monachium, w dziedzinie ekologicznego projektowania, laureatem stypendium Narodowego Centrum Kultury “Młoda Polska”. Zasiadał w kapitułach konkursowych: Green Product Award w Niemczech, Siemens Future Living Award oraz Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego.

Na zajęcia przygotować: papier i długopis do notowania.

Co by było, gdybyśmy zamiast dla ludzi projektowali dla innych gatunków? A może nasze interesy da się pogodzić i powinniśmy szukać rozwiązań dobrych zarówno dla człowieka, jak i roślin i zwierząt? Podczas zajęć przyjrzymy się różnym podejściom do projektowania dla użytkowników, którzy nie są ludźmi oraz zastanowimy się, jak możemy poznać ich potrzeby.

Agata Szydłowska — doktora nauk humanistycznych w zakresie etnologii, absolwentka historii sztuki na UW oraz Szkoły Nauk Społecznych przy Instytucie Filozofii i Socjologii PAN. Autorka książek, m.in. „Futerał. O urządzaniu mieszkań w PRL” (wyd. Czarne). Kuratorka i współkuratorka wystaw poświęconych polskiemu projektowaniu pokazywanych m. in. na Wanted Design w Nowym Jorku, czy w ramach Tokyo Designers Week. W 2019 roku współtworzyła (razem z Małgorzatą Gurowską i Maciejem Siudą) wystawę w pawilonie polskim na XXII Triennale di Milano „Broken Nature. Design Takes on Human Survival” zatytułowaną „MYKOsystem”. Jej zainteresowania badawcze koncentrują się na historii projektowania graficznego, historii dizajnu, jego społecznych i politycznych kontekstach, antropologicznym namyśle nad projektowaniem i dizajnie w kontekście posthumanizmu.

Na zajęcia przygotować: papier i długopis do notowania.

Podczas spotkania skupimy się projektowaniu bazującym na dzisiejszych prognozach dotyczących rozwoju nauki i technologii. Tak zwane „projektowanie spekulatywne” nie ma przy dzisiejszym stanie techniki charakteru rynkowego, a jego celem jest przewidywanie możliwych scenariuszy wpływu nauki i technologii na społeczeństwo.

Daniel Zieliński — projektant wzornictwa, absolwent Wydziału Wzornictwa ASP w Warszawie, od 2020 roku doktor habilitowany. Na Wydziale prowadzi Pracownię Projektowania Krytycznego, pracuje także jako niezależny projektant i artysta. Specjalizuje się w projektowaniu produktu, głównie urządzeń elektronicznych. Drugim biegunem działalności Daniela Zielińskiego jest OBMS — jednoosobowy Ośrodek Badania Mediów Sztuki. Ta fikcyjna instytucja służy jako obudowa artystycznych działań autora. Obiekty powstałe w ramach OBMS to narzędzia studiów nad warsztatowymi problemami sztuki, które umożliwiają również ich interpretację w kontekście problemów współczesnej kultury. Większość obiektów to prototypy, powstałe w zaledwie kilku egzemplarzach.

Na zajęcia przygotować: kartki A3 i/lub notatnik, długopisy do rysowania i notowania.

Nasze urządzenia działają zaraz po podłączeniu, wszystko jest pod ręką — dokładnie tam, gdzie po to intuicyjnie sięgamy — i wszystko idzie zgodnie z planem, jakby ktoś przewidział każdy ruch. Nie zawsze jednak dostrzegamy, że to nie przypadek. Prawdziwie docenić dobrze zaprojektowane doświadczenie potrafi jednak każdy, kto choć raz się rozczarował, zezłościł lub pogubił. Czym jest projektowanie doświadczeń? Co sprawia, że raz jesteśmy zadowoleni, a raz nie? I jak projektować, by pozytywnie kształtować odczucia użytkowników przestrzeni, usług i produktów? W trakcie zajęć przybliżone zostaną kwestie związane z wykorzystaniem badań w projektowaniu doświadczeń.

Karolina Dudek — doktora nauk społecznych w zakresie socjologii. Absolwentka Szkoły Nauk Społecznych przy IFiS PAN, studiów podyplomowych Instytutu Polonistyki Stosowanej UW, zarządzania i marketingu oraz stosunków międzynarodowych w Szkole Głównej Handlowej, etnologii na Uniwersytecie Warszawskim. Ekspertka Colliers Define, doradzająca w kompleksowych procesach planowania, projektowania, organizowania i transformacji przestrzeni dla dużych korporacji. Odpowiada za badanie potrzeb firm i ich pracowników, formułowanie strategii hybrydowego środowiska pracy i zarządzanie zmianą. Jej zainteresowania badawcze koncentrują się na organizacjach i organizowaniu, designie i pracy, wykorzystywaniu badań w projektowaniu, antropologii przestrzeni i antropologii wizualnej.

Na zajęcia przygotować: papier i długopis do notowania.

Zajęcia będą dotyczyły komponowania brył i płaszczyzn. Osoby uczestniczące będą mogły rozwinąć swoją wiedzę m.in. w zakresie podstaw kompozycji, czasoprzestrzeni oraz narzędzi fotografii z elementami wideo. Ćwiczenia będą również obejmować pracę nad poprawnym wykonaniem reprodukcji fotograficznych swoich realizacji.

Antonina Konopelska — artystka multimedialna skupiona na zagadnieniach takich jak tożsamość, relacje międzyludzkie, proksemika – także w kontekstach społecznych. Pracuje z ruchem i dźwiękiem. Autorka i uczestniczka wystaw indywidualnych i grupowych m.in w Warszawie, Krakowie, Londynie, Nowym Jorku, Los Angeles, Sztokholmie. Prowadziła wykłady gościnne m.in. w ArtCenter College of Design w Pasadenie i Ratcliffe Art+Design Incubator w Miami.

Na zajęcia przygotować: nożyk introligatorski lub nożyczki, klej papierniczy, taśmę dwustronną, smartfon z funkcją aparatu fotograficznego lub aparat fotograficzny.

Czy obraz może być przedmiotem użytkowym? A jeśli tak, to do czego służy? Czy podział na sztukę czystą i użytkową ma sens, i jakie są jego konsekwencje? Zajęcia teoretyczno-ćwiczeniowe z Mikołajem Chylakiem będą okazją do rozmowy na te i inne tematy. W drugiej części spotkania uczestniczki i uczestnicy wykonają zadanie malarskie.

Mikołaj Chylak jest artystą wizualnym. Prowadzi Pracownię Malarstwa i Rysunku na Wydziale Wzornictwa ASP w Warszawie. Obronił pracę doktorską zatytułowaną „Atlas jako zbiór i podróż” na Wydziale Malarstwa warszawskiej ASP (2019). Stypendysta Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego (2018). W 2022 wspólnie z ukraińską artystką Lesią Khomenko stworzył pracę prezentowaną w przestrzeni miejskiej Berlina w ramach projektu IAM „Zabójstwo do przyjęcia” oraz w galerii Artsvit (Dniepr). Swoje prace prezentował m.in. w Biurze Wystaw, Galerii Kordegarda, Galerii Promocyjnej, Instytucie Polskim w Berlinie i Lipsku, Filharmonii Podlaskiej, Filharmonii Szczecińskiej, Teatrze Nowym, Żydowskim Instytucie Historycznym, Muzeum Polin, Muzeum Powstania Warszawskiego, Muzeum im. Zofii i Wacława Nałkowskich, Sichuan Fine Arts Institute. Współtworzy Pracownię Wschodnią na warszawskiej Pradze. Wolontariusz i członek rady programowej Stowarzyszenia Pogoń Ruska, z którym jeździ regularnie z pomocą humanitarną do Ukrainy.

Na zajęcia przygotować: ołówki, pędzle, farby akrylowe, kubek na wodę, klipsy do papieru lub taśma malarska, szkicownik w dowolnym formacie / zapewniamy arkusze brystolu w formacie B1.

Kiedy zaciera się granica między sztukami pięknymi a użytkowymi? Podczas zajęć przyjrzymy się różnym aspektom praktyk (post)artystycznych. Wykorzystamy nasze kompetencje artystyczne do obserwacji, interpretacji i „re-kodowania” form wizualnych. Dzięki temu będziemy poruszać się na pograniczu świata sztuki i języka projektowego.

Zofia Kwasieborska — polsko-szwajcarska artystka wizualna, badaczka artystyczna i menadżerka kultury. Autorka rzeźb i instalacji, tworzy także wideoart i performance. Projekty Kwasieborskiej mają charakter antykonsumpcyjny; porusza ona kwestie ekologiczne, używając pojęć biologicznych do stworzenia metafory społecznej. Była częścią Kowalni — pracowni prof. Grzegorza Kowalskiego na Wydziale Rzeźby ASP w Warszawie. Założycielka Przestrzeni Dialogu Międzygatunkowego, grupy łączącej twórców wizualnych z dyskursem post-humanistycznymi i środowiskiem naukowo-przyrodniczym. Brała udział w projektach realizowanych w instytucjach kultury m.in. Kunsthaus w Zurichu, Muzeum Susch, Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie, CSW Zamek Ujazdowski, Zachęta, Pawilon Architektury Zodiak.

Na zajęcia przygotować: ołówek i notatnik/szkicownik.

Zajęcia będą omawiać zasady rysunku technicznego oraz produktowego pokazującego bryłę i konstrukcję, a także zagadnienia z obszaru budowania wizualnej narracji. Osoby uczestniczące dowiedzą się z jakich elementów powinno składać się czytelne podanie projektu i jak ilustrować (zamiast opisywać) idee.

Zuzanna Łąpieś — rysowniczka, projektantka produktu i grafiki użytkowej. Laureatka Nagrody Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego dla studentów uczelni artystycznych za osiągnięcia w twórczości artystycznej. Zaangażowana w edukację plastyczną oraz aktywizację artystyczno-społeczną. Współpracowała min. z Muzeum Narodowym w Warszawie, Narodową Galerią Sztuki Zachęta, Jednostką Wojskową GROM. Asystentka na macierzystej uczelni od 2013 roku.

Na zajęcia przygotować: kartki A3, ołówki, cienkopisy, flamastry (czarny, szary i dowolny kolor), gumkę, nożyczki, taśmę klejącą.

Zajęcia z podstaw projektowania zaznajamiają uczestniczki i uczestników kursu z zagadnieniami związanymi z procesem projektowym. Wyjaśnimy jak identyfikować i definiować problemy w otaczającej nas rzeczywistości oraz jak szukać możliwości ich sensownego rozwiązania. Spotkanie będzie podzielone na dwie części: pierwsza będzie skupiona na teoretycznym wprowadzeniu uczestników w podstawowe zagadnienia związane z projektowaniem a w drugiej wspólnie spróbujemy rozwiązać wybrane problemy projektowe.

Jan Buczek jest absolwentem Wydziału Wzornictwa Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie oraz podyplomowych studiów z zakresu zarządzania wzornictwem na kierunku Design Management w Szkole Głównej Handlowej oraz Instytucie Wzornictwa Przemysłowego. W 2008 roku odbył stypendium naukowe w Szwajcarii w Zürcher Hochschule der Künste na wydziale Industrial Design.

Maciej Głowacki — absolwent Wydziału Wzornictwa ASP w Warszawie, studiował także na Wydziałach Fizyki i Chemii Uniwersytetu Warszawskiego. Laureat licznych polskich i międzynarodowych konkursów projektowych. Od 2014 roku pracuje dla polskiej firmy technologicznej SYGNIS S.A., w której stworzył i prowadzi kilkuosobowy Dział Wzorniczy. Na przestrzeni lat realizował i zarządzał realizacją dziesiątek projektów przeznaczonych pod produkcję seryjną i jednostkową, a także z obszaru projektowania graficznego oraz UX/UI. Współpracował z licznymi podmiotami, zarówno ze świata przemysłu, usług, jak i nauki.

Na zajęcia przygotować: kartki A3, ołówki, cienkopisy, flamastry, gumkę, nożyczki, nóż do papieru, taśmę klejącą, klej, ew. zszywacz biurowy.

Zajęcia będą skupione na pracy warsztatowej, która pozwoli poznać podstawowe elementy i czynniki konstytuujące produkty oraz proces projektowy. Będziemy zwracać uwagę uczestniczek i uczestników warsztatów na kontekst, właściwości konstrukcyjne materiałów i ich wpływ na budowę formy przedmiotu. Wspólnie przećwiczymy operowanie środkami wyrazu w kontekście projektowania zorientowanego na rzeczywiste potrzeby użytkownika. Zrealizujemy zadanie praktyczne polegające na zaprojektowaniu prostego produktu uwzględniając materiały i technologie przedstawione w części wykładowej.

Dominik Glaros jest absolwentem Wydziału Wzornictwa ASP w Warszawie. Stanowisko adiunkta w Katedrze Podstaw Projektowania łączy z pracą senior designera w studiu projektowym Kaniewski Design. Współpracował także z MPM Produkt (otrzymał nagrodę Dobry Wzór za projekt sprzętu AGD), Instytutem Mechanizacji Budowlanej i Górnictwa Skalnego (projekt ładowarki), Mennicą Polską (stworzył nową gamę produktów numizmatycznych), firmą Xicorr (zaprojektował zegarki Syrena Sport oraz Operator). Należy do Stowarzyszenia Projektantów Form Przemysłowych. Na Wydziale Wzornictwa w Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie współprowadzi pracownię Podstaw Projektowania Produktu Przemysłowego, kontynuującą myśl profesora Cezarego Nawrota.

Na zajęcia przygotować: kartki A3 i A4, ołówki, cienkopisy, flamastry, gumkę, linijki, ekierki, cyrkiel, blok techniczny A4, nożyk do cięcia papieru lub nożyczki, podkładki do cięcia.

Zajęcia skupione są na zagadnieniach dotyczących projektowania w większej skali z uwzględnieniem potrzeb dużych i zróżnicowanych grup odbiorców. Celem zajęć jest zwrócenie uwagi na silne oddziaływanie społeczne projektowania w sferze publicznej, które wymaga szukania rozwiązań odpowiedzialnych. W trakcie zajęć omówione zostanie hasło dostępność w kontekście projektowania publicznego. Spotkanie będzie podzielone na dwie części. Pierwsza część teoretyczna wprowadzi i wyjaśni niezbędne pojęcia i określi problemy. W drugiej części osoby uczestniczące zmierzą się z ćwiczeniem projektowym.

Kamil Kowalski — dyrektor Integracja LAB w Fundacji Integracja. Wykładowca ergonomii na Wydziale Wzornictwa ASP w Warszawie. Absolwent Wydziału Architektury Wnętrz na warszawskiej ASP. Laureat m.in. Nagrody Ministra Infrastruktury oraz Medalu Stulecia Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Ekspert w zakresie projektowania uniwersalnego i dostępności architektonicznej, prowadzący projekty badawcze dotyczące dostępności m.in. kinematografii, szkolnictwa i obiektów komercyjnych. Ekspert Narodowego Centrum Kultury w zespole sterującym programu „Rozwój infrastruktury kultury” (2012-2014) oraz w zespole pracującym przy Ministerstwie Infrastruktury i Budownictwa nad zmianami przepisów budowlanych (2016-2017), członek jury konkursu Dobry Wzór organizowanego przez Instytut Wzornictwa Przemysłowego (od 2020) i Rady Dostępności (od 2020).

Maciej Stefański — projektant wzornictwa przemysłowego, absolwent Wydziału Wzornictwa ASP w Warszawie.
W zawodzie najważniejsze dla niego jest wdrażanie swoich projektów, które daje możliwość weryfikacji tego, czy produkt jest dobrze zaprojektowany.  Poza projektowaniem produktu czerpie satysfakcję z kreowania przestrzeni, w szczególności w realizacjach wystawienniczych. Zajmuje się nie tylko dydaktyką, ale też aktywnie działa na rzecz promowania młodych projektantów i projektantek, organizując wystawy na międzynarodowych targach i festiwalach. Od roku 2025 prezes Stowarzyszenia Projektantów Form Przemysłowych

Na zajęcia przygotować: kartki A3 i A4, ołówki, cienkopisy, flamastry, gumkę, linijki, ekierki, cyrkiel.

Zajęcia rozpoczną się prezentacją wprowadzającą zagadnienia z zakresu komunikacji wizualnej i możliwego wykorzystania jej narzędzi w działaniach o charakterze aktywistycznym. Ćwiczenia warsztatowe będą rozwijać umiejętności komponowania tekstu i obrazu w przestrzeni 2d. Podstawy z zakresu typografii mogą być pomocne między innymi w przygotowaniu prezentacji lub portfolio.

Magdalena Małczyńska-Umeda specjalizuje się w projektowaniu informacji wizualnej, a w szczególności przedstawień danych liczbowych, diagramów i modeli czerpiąc między innymi z dorobku ISOTYPE Movement. Absolwentka warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych, na której obroniła pracę doktorską zatytułowaną „Infografika jako narzędzie poznania świata i zrozumienia samego siebie – kiedyś i dziś” (2017). Na co dzień prowadzi działalność projektową w StoryVisio starając się łączyć analizę przedstawianych danych i zjawisk z atrakcyjną i czytelną formą graficzną tak, by realizowane projekty uczynić skutecznymi komunikatami. Jest współzałożycielką Stowarzyszenia Twórców Grafiki Użytkowej.

Jakub Jezierski ukończył Wydział Architektury Politechniki Warszawskiej. Prowadzi niezależną działalność projektową w zakresie projektowania wystawienniczego, systemów informacji wizualnej dla instytucji kultury oraz grafiki wydawniczej dla fundacji kulturalnych. Specjalizuje się w projektowaniu prasowym, edytorskim i typografii. Oprócz współpracy z dużymi wydawnictwami tj. Bonnier Media i G+J, w swoim portfolio ma projekty dla Muzeum Narodowego w Warszawie, Muzeum Sztuki Współczesnej w Warszawie, Teatru Nowego, Teatru Studio, Narodowego Instytutu Audiowizualnego i Instytutu Adama Mickiewicza.

Na zajęcia przygotować: kartki formatu A4 lub szkicownik, nożyczki, klej do papieru w sztyfcie, linijkę, ołówek, czarny marker.

Zajęcia będą poświęcone krytycznemu spojrzeniu na projektowanie mody w kontekście współczesnych problemów i zagrożeń zdefiniowanych przez dzisiejszą politykę, ekonomię, socjologię i kulturę.

Janusz Noniewicz jest kierownikiem Katedry Mody Wydziału Wzornictwa ASP w Warszawie. Zajmuje się badaniem mody w kontekście teorii i praktyk krytycznych. Jego projekty były prezentowane w ramach wystaw krajowych i międzynarodowych m.in. w Austrian Culture Center Gallery w Londynie, MQ w Wiedniu, CSW Zamek Ujazdowski w Warszawie, BWA w Tarnowie, Galeria Slendzińskich w Białymstoku. Brał udział w konferencjach naukowych w ASP w Warszawie, UJ w Krakowie, UAM w Poznaniu.

Na zajęcia przygotować: papier i długopis do notowania.

Wykład wprowadzi kursantki i kursantów w problematykę zagadnień związanych z historią i teorią mody. Spotkanie pozwoli zrozumieć czym jest fenomen mody, jak historycznie kształtował się jej obraz i jak stawał się tematem badawczym. Duży nacisk położony zostanie na analizę mody w kontekście sztuki.

Aleksandra Jatczak-Repeć jest obserwatorką branży mody, historyczką mody i sztuki, absolwentką Instytutu Historii Sztuki UW, gdzie uzyskała tytuł doktora sztuki, dzięki pracy badawczej poświęconej powszechnej modzie powojennej (2020). Od 2010 roku prowadzi pracownię Historii i Teorii Mody w Katedrze Mody Wydziału Wzornictwa Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie, inicjuje interdyscyplinarne warsztaty i realizuje projekty międzyinstytucjonalne. Jest kuratorką wielu wystaw o modzie, konsultantką merytoryczną projektów z zakresu historii mody, m. in. polskiej edycji autobiografii Christiana Diora, anglojęzycznej publikacji Reason and Flair. A Century of Fashion in Poland czy multimedialnego przewodnika Instytutu Adama Mickiewicza o historii polskiej mody. Jatczak jest także autorką artykułów naukowych i popularnonaukowych z dziedziny sztuki, publikowanych m. in. na łamach “Vogue.pl”.

Na zajęcia przygotować: papier i długopis do notowania.

Moda jest zjawiskiem ulotnym. Ma jednak niezwykła siłę sprawczą, która wpływa na rozwój przemysłu, nadaje kierunek sztuce. Najcenniejsze jest to co po sobie pozostawia, a co nie jest już modą, a jej przeciwieństwem. Materialnym świadectwem minionej epoki, które urzeka nas pięknem zamkniętym w spłowiałych i nadwątlonych przez czas tkaninach. Tkaniny, o których będzie mowa na wykładzie są pretekstem do pokazania tajemnic rzemiosła tkackiego, mało znanej dziedziny sztuki pozostającej na usługach mody. Historia tkanin to historia cywilizacji, przenikania się kultur i ich wzajemnego oddziaływania. Wzory na tkaninach to nie tylko plastyczne kompozycje, to zamknięty w zdobniczych formach obraz świata  przekazywany z pokolenia na pokolenie. Nić tkacka łączy nas z naszymi przodkami, jak zapisany w łańcuchach chromosomów kod genetyczny.

Ewa Orlińska-Mianowska — historyczka sztuki, kuratorka Zbiorów Sztuki Zdobniczej w Muzeum Narodowym w Warszawie, wieloletnia kustoszka Kolekcji Tkanin. Autorka i współautorka katalogów, słowników, tekstów naukowych i popularnonaukowych. Popularyzatorka wiedzy o tkaninach zabytkowych i modzie historycznej. Kuratorka wystawy Modny świat XVIII i początku XIX wieku w Muzeum Narodowym w Warszawie (2003).

Na zajęcia przygotować: papier i długopis do notowania.

W natłoku marketingowych narracji moda nieoczekiwanie stała się językiem do opowiadania świata i sposobem na jego krytyczne poznanie. Mowa zarówno o technikach wyrobu, niuansach procesów projektowych i wytwórczych, jak i o sprawach wielkich. Dzięki komentatorom i twórcom uczymy się o obliczach kryzysu klimatycznego, społecznych powikłaniach kapitalizmu, odzyskujemy pomijane wcześniej herstorie, poznajemy niszowe regionalizmy, zdobywamy świadomość w zakresie możliwości technologii AI, zaglądamy do wnętrz fabryk globalnego południa. Jak marki budują narrację wokół swoich marek, kolekcji i produktów? Jaka jest w tym wartość? Dlaczego warto rejestrować, dokumentować i poszerzać świat wokół produktu? Dziennikarka Kamila Wagner opowie o zjawisku brainprintu, odpowiedzialności twórców za wszystkie formy komunikatów emitowanych do
świata oraz sposobach na tworzenie intrygujących narracji i korzystanie z nich jako narzędzi pozytywnego wpływu.

Kamila Wagner — dziennikarka, redaktorka mody z ponad 11-letnim stażem w czołowych polskich magazynach. Doświadczenie zdobywała w Glamour, następnie prowadziła dział mody i wnętrz w Wysokich Obcasach i Wysokich Obcasach Extra. Od ponad pięciu lat związana z Vogue Polska. Specjalizuje się w tematach związanych ze społecznym wymiarem projektowania, zrównoważonym rozwojem i nowymi technologiami w modzie.

Podczas spotkania spróbujemy zrozumieć, czym jest widzenie i w jaki sposób procesy poznawcze przekładane są na język obrazu. W procesie tym wiodącą rolę odegra rysunek odręczny, który stanowi podstawowe narzędzie w aktywnościach zarówno kreatywnych jak i tych, pozornie niezwiązanych z działalnością twórczą. Za pomocą rysunku poddamy przedmioty analizie, poznamy materiał z jakiego zostały wykonane, ich kształt, formę oraz charakter i różnorodność. Wyznaczymy skalę i zależności przestrzenne. Zobaczymy przykłady, w których język rysunku i myślenie rysunkowe przekładają się na projektowanie ubioru.

Agnieszka Rożnowska jest artystką wizualną, graficzką, pedagożką, profesorką. ASP w Warszawie. W swojej twórczości podejmuje problem relacji międzyludzkich, zależności człowieka od przestrzeni oraz jego kondycji w czasach chaosu i masowej konsumpcji. Refleksję intelektualną zawiera najczęściej w cyklach, bez ograniczeń co do medium czy techniki.  Zrealizowała szereg warsztatów, wystaw indywidualnych i zbiorowych w Polsce i zagranicą. Od 2010 roku prowadzi Pracownię Rysunku w Katedrze Mody warszawskiej ASP, która przygotowuje przyszłych projektantów do umiejętnego wykorzystywania warsztatu rysunkowego – niezastąpionego narzędzia w procesie kształtowania i formalizowania wypowiedzi, zapisu procesu myślenia i tworzenia.

Na zajęcia przygotować: miękkie grafity, miękkie ołówki, czarny tusz, gumka, cienkopisy, pędzel / zapewniamy arkusze brystolu w formacie B1.

Na zajęciach uczestnicy i uczestniczki dowiedzą się m.in. jak przygotować portfolio, jak wybrać i pokazać prace tak, aby zaprezentować swoje umiejętności i osobowość artystyczną. Spotkanie będzie składało się z wykładu wprowadzającego, ćwiczenia graficznego i korekt.

Dominika Raczkowska-Wirkowska jest graficzką, absolwentką warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych, gdzie przez cztery lata była asystentką prof. Grażki Lange w Pracowni Typografii Wydziału Grafiki. Dyrektorka artystyczna czasopism: „Dziennik–Gazeta Prawna”, „Puls Biznesu”, „Tygodnik Biznes i Prawo”. Prowadzi własne studio graficzne, a od 2013 roku specjalny kurs projektowania graficznego dla studentów Katedry Mody Wydziału Wzornictwa ASP w Warszawie.

Na zajęcia przygotować: papier formacie A3 lub A4 (40-50 arkuszy), szkicownik, klej, nożyczki, taśmy klejące, flamastry, pędzle, tusze albo farby, kubeczki na wodę (opcjonalnie stare gazety modowe i kawałki materiałów).

Na zajęciach przejdziemy wspólnie przez proces projektowy z wykorzystaniem techniki sitodruku. Osoby uczestniczące będą mogły zdobyć podstawowe informacje dotyczące rodzaju projektów i ich specyfiki przygotowania oraz technologii – w tym budowy matrycy, naświetlania projektu oraz przygotowania siatki do druku. Finalną realizacją będzie druk na podłożach tekstylnych, opanowanie umiejętności prawidłowego wydruku oraz wykorzystanie kilku rodzajów farb dające różnorodne efekty wizualne.

AgaBrwi / Agnieszka Stanasiuk jest artystką, mentorką przyszłych projektantów oraz twórczynią eventów artystycznych. Ukończyła Wydział Tkaniny i Ubioru Akademii Sztuk Pięknych w Łodzi na specjalizacji wzornictwo i druk na tkaninie, Product Design Management w Instytucie Wzornictwa Przemysłowego oraz Przedsiębiorczość w sektorach kreatywnych w Akademii Leona Koźmińskiego. Jest także stypendystka Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego za osiągnięcia artystyczne. W wydarzeniach i warsztatach, które współtworzyła od 2010 roku, wzięło udział w sumie 18 000 tysięcy uczestników i uczestniczek. W swojej praktyce artystycznej realizuje projekty z użyciem tkaniny, instalacji, rysunku, malarstwa, a jej ulubionym medium jest sitodruk.

Na zajęcia przygotować: wyprasowane podłoża tekstylne w formacie A3.

Podczas zajęć zostanie zaprezentowany temat, do którego osoby uczestniczące będą się odnosić w sposób przestrzenny. Powstałe odpowiedzi staną się pretekstem do rozmowy o formie rzeźbiarskiej w kontekście przestrzeni i sylwetki człowieka. 

Cezary Koczwarski — artysta, rzeźbiarz, twórca i autor realizacji wideo. Wykształcony w legendarnej pracowni Grzegorza Kowalskiego na Wydziale Rzeźby warszawskiej ASP. Laureat wielu nagród dla młodych artystów. Stopień doktora uzyskał na Wydziale Rzeźby. Od 2011 roku wykłada w Pracowni Rzeźby prof. Wiktora Gutta.

Na zajęcia przygotować: nożyczki / zapewniamy arkusze czarnego i białego papieru w formacie B1.

Na zajęciach zajmiemy się projektowaniem, interpretacją i realizacją pomysłów na tkaniny w groszki. Zastanowimy się jaki charakter i jaką formę mogą przybierać groszki na tkaninie i przy pomocy jakich technik pracy z tkaniną można je zrealizować.

Magdalena Komar jest projektantką tkanin, absolwentką paryskiej ESMOD, którą ukończyła z nagrodą specjalną Michele Lemaire oraz Multi Media Textiles w Loughborough College of Art and Design. Zajmuje się projektowaniem nowoczesnych haftów, aplikacji i wzorów na materiały do kolekcji prêt-à-porter i haute couture. Jej projekty zostały kupione przez takie firmy jak Donna Karan i DKNY, Alexander Wang, Chanel, Calvin Klein Home, Diane von Furstenberg, Kate Spade, Banana Republic, Victoria’s Secret, Atelier Montex, Fendi inne. Od 2010 roku prowadzi Pracownię Projektowania Tkanin na Katedrze Mody warszawskiej ASP. W 2019 roku ukończyła studia socjologii w Collegium Civitas w Warszawie, w 2022 uzyskała stopień doktora na Wydziale Wzornictwa Przemysłowego w Warszawie.

Na zajęcia przygotować: igłę, nitkę, nożyczki, cyrkiel, papier kolorowy w dowolnym formacie, blok papieru w formacie A3, farby, flamastry, klej, sznurek, linijkę