Harmonogram zajęć KURS DESIGN! 2025

Zajęcia będą omawiać rolę projektantek i projektantów form przemysłowych w kontekście umiejętności kształtowania formy produktu z uwzględnieniem założeń technicznych i użytkowych. Będą składać się z części teoretycznej i praktycznej. W pierwszej skupimy się m.in. na kluczowych okresach i nurtach stylistycznych. W drugiej zostanie zrealizowane zadanie praktyczne polegające na zaprojektowaniu prostego produktu uwzględniając materiały i technologie przedstawione na wykładzie.

Dominik Głąb — absolwent Wydziału Wzornictwa ASP w Warszawie. Stanowisko adiunkta w Katedrze Podstaw Projektowania łączy z pracą senior designera w studiu projektowym Kaniewski Design. Współpracował także z MPM Produkt (otrzymał nagrodę Dobry Wzór za projekt sprzętu AGD), Instytutem Mechanizacji Budowlanej i Górnictwa Skalnego (projekt ładowarki), Mennicą Polską (stworzył nową gamę produktów numizmatycznych), firmą Xicorr (zaprojektował zegarki Syrena Sport oraz Operator). Należy do Stowarzyszenia Projektantów Form Przemysłowych. Jako wykładowca na Wydziale Wzornictwa w Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie wraz z Jackiem Surawskim współprowadzi Pracownię Podstaw Projektowania 3, kontynuującą myśl profesora Cezarego Nawrota.

Na zajęcia przygotować: kartki A3, długopisy do rysowania i notowania.

Współczesne projektowanie skupia się na użytkowniku i zaspokajaniu jego potrzeb. Obejmuje coraz więcej obszarów. Jednym z nich jest „projektowanie społeczne” próbujące rozwiązywać problemy osób wykluczonych, osób z niepełnosprawnościami, ginących zawodów, środowiska czy krajów rozwijających się. Zajęcia przybliżą temat „projektowania społecznego” i pozwolą zrozumieć jak do niego podchodzimy na Wydziale Wzornictwa ASP w Warszawie.

Michał Stefanowski — kierownik Katedry Projektowania na Wydziale Wzornictwa ASP w Warszawie. Projektant produktów, małej architektury, opakowań, systemów informacji i komunikacji wizualnej. Autor i współautor projektów kilkudziesięciu produktów, kilku systemów informacji, oraz licznych projektów graficznych i wizerunkowych. Współautor projektów m.in. Miejskiego Systemu Informacji w Warszawie, systemów informacji Biblioteki Uniwersytetu Warszawskiego i Zamku Królewskiego w Warszawie, oraz identyfikacji wizualnej Narodowego Banku Polskiego. Autor artykułów o wzornictwie, kurator wystaw, juror konkursów. Koordynator programów współpracy Wydziału Wzornictwa ASP w Warszawie z partnerami zewnętrznymi, np. IKEA, Nokia, Holon Institute of Technology w Izraelu oraz Izmir University of Economics w Turcji.

Na zajęcia przygotować: kartki A3, długopisy do rysowania i notowania.

Nasze urządzenia działają zaraz po podłączeniu, wszystko jest pod ręką — dokładnie tam, gdzie po to intuicyjnie sięgamy — i wszystko idzie zgodnie z planem, jakby ktoś przewidział każdy ruch. Nie zawsze jednak dostrzegamy, że to nie przypadek. Prawdziwie docenić dobrze zaprojektowane doświadczenie potrafi jednak każdy, kto choć raz się rozczarował, zezłościł lub pogubił. Czym jest projektowanie doświadczeń? Co sprawia, że raz jesteśmy zadowoleni, a raz nie? I jak projektować, by pozytywnie kształtować odczucia użytkowników przestrzeni, usług i produktów? W trakcie zajęć przybliżone zostaną kwestie związane z wykorzystaniem badań w projektowaniu doświadczeń.

Karolina Dudek — doktora nauk społecznych w zakresie socjologii. Absolwentka Szkoły Nauk Społecznych przy IFiS PAN, studiów podyplomowych Instytutu Polonistyki Stosowanej UW, zarządzania i marketingu oraz stosunków międzynarodowych w Szkole Głównej Handlowej, etnologii na Uniwersytecie Warszawskim. Ekspertka Colliers Define, doradzająca w kompleksowych procesach planowania, projektowania, organizowania i transformacji przestrzeni dla dużych korporacji. Odpowiada za badanie potrzeb firm i ich pracowników, formułowanie strategii hybrydowego środowiska pracy i zarządzanie zmianą. Jej zainteresowania badawcze koncentrują się na organizacjach i organizowaniu, designie i pracy, wykorzystywaniu badań w projektowaniu, antropologii przestrzeni i antropologii wizualnej.

Na zajęcia przygotować: papier i długopis do notowania.

Co by było, gdybyśmy zamiast dla ludzi projektowali dla innych gatunków? A może nasze interesy da się pogodzić i powinniśmy szukać rozwiązań dobrych zarówno dla człowieka, jak i roślin i zwierząt? Podczas zajęć przyjrzymy się różnym podejściom do projektowania dla użytkowników, którzy nie są ludźmi oraz zastanowimy się, jak możemy poznać ich potrzeby.

Agata Szydłowska — doktora nauk humanistycznych w zakresie etnologii, absolwentka historii sztuki na UW oraz Szkoły Nauk Społecznych przy Instytucie Filozofii i Socjologii PAN. Autorka książek, m.in. „Futerał. O urządzaniu mieszkań w PRL” (wyd. Czarne). Kuratorka i współkuratorka wystaw poświęconych polskiemu projektowaniu pokazywanych m. in. na Wanted Design w Nowym Jorku, czy w ramach Tokyo Designers Week. W 2019 roku współtworzyła (razem z Małgorzatą Gurowską i Maciejem Siudą) wystawę w pawilonie polskim na XXII Triennale di Milano „Broken Nature. Design Takes on Human Survival” zatytułowaną „MYKOsystem”. Jej zainteresowania badawcze koncentrują się na historii projektowania graficznego, historii dizajnu, jego społecznych i politycznych kontekstach, antropologicznym namyśle nad projektowaniem i dizajnie w kontekście posthumanizmu.

Na zajęcia przygotować: papier i długopis do notowania

Czy obraz może być przedmiotem użytkowym? A jeśli tak to do czego służy? Czy podział na sztukę czystą i użytkową ma sens i jakie są jego konsekwencje? Osoby uczestniczące w zajęciach teoretyczno-ćwiczeniowych z Mikołajem Chylakiem będą okazją do rozmowy na te i inne tematy a w drugiej części spotkania wykonają zadanie malarskie.

Mikołaj Chylak jest artystą wizualnym. Prowadzi Pracownię Malarstwa i Rysunku na Wydziale Wzornictwa ASP w Warszawie. Obronił pracę doktorską zatytułowaną „Atlas jako zbiór i podróż” na Wydziale Malarstwa warszawskiej ASP (2019). Stypendysta Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego (2018). W 2022 wspólnie z ukraińską artystką Lesią Khomenko stworzył pracę prezentowaną w przestrzeni miejskiej Berlina w ramach projektu IAM „Zabójstwo do przyjęcia” oraz w galerii Artsvit (Dniepr). Swoje prace prezentował m.in. w Biurze Wystaw, Galerii Kordegarda, Galerii Promocyjnej, Instytucie Polskim w Berlinie i Lipsku, Filharmonii Podlaskiej, Filharmonii Szczecińskiej, Teatrze Nowym, Żydowskim Instytucie Historycznym, Muzeum Polin, Muzeum Powstania Warszawskiego, Muzeum im. Zofii i Wacława Nałkowskich, Sichuan Fine Arts Institute. Współtworzy Pracownię Wschodnią na warszawskiej Pradze. Wolontariusz i członek rady programowej Stowarzyszenia Pogoń Ruska, z którym jeździ regularnie z pomocą humanitarną do Ukrainy.

Na zajęcia przygotować: ołówki, pędzle, farby akrylowe, kubek na wodę, klipsy do papieru lub taśma malarska, szkicownik w dowolnym formacie / zapewniamy arkusze brystolu w formacie B1.

Zajęcia rozpoczną się prezentacją wprowadzającą zagadnienia z zakresu komunikacji wizualnej i możliwego wykorzystania jej narzędzi w działaniach o charakterze aktywistycznym. Ćwiczenia warsztatowe będą rozwijać umiejętności komponowania tekstu i obrazu w przestrzeni 2d. Podstawy z zakresu typografii mogą być pomocne między innymi w przygotowaniu prezentacji lub portfolio.

Magdalena Małczyńska-Umeda specjalizuje się w projektowaniu informacji wizualnej, a w szczególności przedstawień danych liczbowych, diagramów i modeli czerpiąc między innymi z dorobku ISOTYPE Movement. Absolwentką warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych, na której obroniła pracę doktorską zatytułowaną „Infografika jako narzędzie poznania świata i zrozumienia samego siebie – kiedyś i dziś” (2017). Na co dzień prowadzi działalność projektową w StoryVisio starając się łączyć analizę przedstawianych danych i zjawisk z atrakcyjną i czytelną formą graficzną tak, by realizowane projekty uczynić skutecznymi komunikatami. Jest współzałożycielką Stowarzyszenia Twórców Grafiki Użytkowej.

Jakub Jezierski ukończył Wydział Architektury Politechniki Warszawskiej. Prowadzi niezależną działalność projektową w zakresie projektowania wystawienniczego, systemów informacji wizualnej dla instytucji kultury oraz grafiki wydawniczej dla fundacji kulturalnych. Specjalizuje się w projektowaniu prasowym, edytorskim i typografii. Oprócz współpracy z dużymi wydawnictwami tj. Bonnier Media i G+J, w swoim portfolio ma projekty dla Muzeum Narodowego w Warszawie, Muzeum Sztuki Współczesnej w Warszawie, Teatru Nowego, Teatru Studio, Narodowego Instytutu Audiowizualnego i Instytutu Adama Mickiewicza.

Na zajęcia przygotować: kartki formatu A4 lub szkicownik, nożyczki, klej do papieru w sztyfcie, linijkę, ołówek, czarny marker.

Zofia Kwasieborska — polsko-szwajcarska artystka wizualna, badaczka artystyczna i menadżerka kultury. Autorka rzeźb i instalacji, tworzy także wideoart i performance. Projekty Kwasieborskiej mają charakter antykonsumpcyjny; porusza ona kwestie ekologiczne, używając pojęć biologicznych do stworzenia metafory społecznej. Była częścią Kowalni — pracowni prof. Grzegorza Kowalskiego na Wydziale Rzeźby ASP w Warszawie. Założycielka Przestrzeni Dialogu Międzygatunkowego, grupy łączącej twórców wizualnych z dyskursem post-humanistycznymi i środowiskiem naukowo-przyrodniczym. Brała udział w projektach realizowanych w instytucjach kultury m.in. Kunsthaus w Zurichu, Muzeum Susch, Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie, CSW Zamek Ujazdowski, Zachęta, Pawilon Architektury Zodiak.

Zajęcia będą dotyczyły komponowania brył i płaszczyzn. Osoby uczestniczące będą mogły rozwinąć swoją wiedzę m.in. w zakresie podstaw kompozycji, czasoprzestrzeni oraz narzędzi fotografii z elementami wideo. Ćwiczenia będą również obejmować pracę nad poprawnym wykonaniem reprodukcji fotograficznych swoich realizacji.

Antonina Konopelska — artystka multimedialna skupiona na zagadnieniach takich jak tożsamość, relacje międzyludzkie, proksemika – także w kontekstach społecznych. Pracuje z ruchem i dźwiękiem. Autorka i uczestniczka wystaw indywidualnych i grupowych m.in w Warszawie, Krakowie, Londynie, Nowym Jorku, Los Angeles, Sztokholmie. Prowadziła wykłady gościnne m.in. w ArtCenter College of Design w Pasadenie i Ratcliffe Art+Design Incubator w Miami.

Na zajęcia przygotować: nóż introligatorski lub nożyczki, klej papierniczy, taśmę dwustronną, smartfon z funkcją aparatu fotograficznego lub aparat fotograficzny.

Zajęcia będą omawiać zasady rysunku technicznego oraz produktowego pokazującego bryłę i konstrukcję, a także zagadnienia z obszaru budowania wizualnej narracji. Osoby uczestniczące dowiedzą się z jakich elementów powinno składać się czytelne podanie projektu i jak ilustrować (zamiast opisywać) idee.

Zuzanna Łąpieś — rysowniczka, projektantka produktu i grafiki użytkowej. Laureatka Nagrody Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego dla studentów uczelni artystycznych za osiągnięcia w twórczości artystycznej. Zaangażowana w edukację plastyczną oraz aktywizację artystyczno-społeczną. Współpracowała min. z Muzeum Narodowym w Warszawie, Narodową Galerią Sztuki Zachęta, Jednostką Wojskową GROM. Asystentka na macierzystej uczelni od 2013 roku.

Sebastian Zgutka — absolwent Technologii Drewna na SGGW w Warszawie i dyplomant projektowania produktu i komunikacji wizualnej na Wydziale Wzornictwa ASP w Warszawie. Specjalizuje się w projektowaniu mebli oraz obuwia sportowego. Przed zdobyciem doświadczenia projektowego zajmował się konstrukcją i technologią mebli oraz wyposażenia wnętrz m.in. dla Levi’s, EDAG i Hola Design Studio. Pracował w takich firmach jak Forte, Cedros czy Ecco. Obecnie współpracuje z Towarzystwem Opieki nad Ociemniałymi i Niedowidzącymi w zakresie projektowania wzorniczego dla niewidomych. Pracuje również jako footwear designer, projektując obuwie sportowe dla marki 4F.

Na zajęcia przygotować: kartki A3, ołówki, cienkopisy, flamastry (czarny, szary i dowolny kolor), gumkę, nożyczki, taśmę klejącą.

Zajęcia skupione są na zagadnieniach dotyczących projektowania w większej skali z uwzględnieniem potrzeb dużych i zróżnicowanych grup odbiorców. Celem zajęć jest zwrócenie uwagi na silne oddziaływanie społeczne projektowania w sferze publicznej, które wymaga szukania rozwiązań odpowiedzialnych. W trakcie zajęć omówione zostanie hasło dostępność w kontekście projektowania publicznego. Spotkanie będzie podzielone na dwie części. Pierwsza część teoretyczna wprowadzi i wyjaśni niezbędne pojęcia i określi problemy. W drugiej części osoby uczestniczące zmierzą się z ćwiczeniem projektowym.

Kamil Kowalski — dyrektor Integracja LAB w Fundacji Integracja. Wykładowca ergonomii na Wydziale Wzornictwa ASP w Warszawie. Absolwent Wydziału Architektury Wnętrz na warszawskiej ASP. Laureat m.in. Nagrody Ministra Infrastruktury oraz Medalu Stulecia Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Ekspert w zakresie projektowania uniwersalnego i dostępności architektonicznej, prowadzący projekty badawcze dotyczące dostępności m.in. kinematografii, szkolnictwa i obiektów komercyjnych. Ekspert Narodowego Centrum Kultury w zespole sterującym programu „Rozwój infrastruktury kultury” (2012-2014) oraz w zespole pracującym przy Ministerstwie Infrastruktury i Budownictwa nad zmianami przepisów budowlanych (2016-2017), członek jury konkursu Dobry Wzór organizowanego przez Instytut Wzornictwa Przemysłowego (od 2020) i Rady Dostępności (od 2020).

Jakub Marzoch — projektant produktu, przestrzeni oraz grafiki. Ukończył Wydział Wzornictwa ASP w Warszawie, gdzie obecnie wykłada w ramach Pracowni Kreacji Przekazu. W 2022 roku obronił doktorat z obszaru projektowania ubioru outdoorowego. Zawodowo zajmuje się projektowaniem, w szczególności specjalistycznych produktów tekstylnych oraz sprzętu outdoorowego. Jego dzieła prezentowane były w ramach wystaw Dobry Wzór, Graduation Projects, Make Me, Projektowanie Wszędzie, targi ISPO w Monachium. Marzoch projektuje także kompleksowe rozwiązania graficzne i przestrzenne takie jak branding, systemy informacji wizualnej czy wystawy. Wraz z Towarzystwem Projektowym stworzył system nośników i informacji wizualnej dla Dzielnicy Wisła. Projekt otrzymał główną nagrodę w konkursie PGD Awards oraz nominację do Nagrody Architektonicznej Prezydenta Warszawy.

Na zajęcia przygotować: kartki A3 i A4, ołówki, cienkopisy, flamastry, gumkę, linijki, ekierki, cyrkiel

Podczas spotkania skupimy się projektowaniu bazującym na dzisiejszych prognozach dotyczących rozwoju nauki i technologii. Tak zwane „projektowanie spekulatywne” nie ma przy dzisiejszym stanie techniki charakteru rynkowego, a jego celem jest przewidywanie możliwych scenariuszy na wpływ nauki i technologii na społeczeństwo. Zajęcia będą składały się z wykładowego wprowadzenia i pracy w grupach.

Robert Pludra — projektant produktu, wykładowca. W 2013 roku obronił doktorat z obszaru designu społecznego na Wydziale Wzornictwa Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Brał udział w ponad pięćdziesięciu wystawach na najważniejszych festiwalach dizajnu (m.in. w Mediolanie, Londynie, Paryżu, Berlinie czy Tokio). Jest zdobywcą pierwszej nagrody w konkursie ScrapLab Design Contest w Monachium, w dziedzinie ekologicznego projektowania, laureatem stypendium Narodowego Centrum Kultury “Młoda Polska”. Zasiadał w kapitułach konkursowych: Green Product Award w Niemczech, Siemens Future Living Award oraz Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego.

Daniel Zieliński — projektant wzornictwa, absolwent Wydziału Wzornictwa ASP w Warszawie, od 2020 roku doktor habilitowany. Na Wydziale prowadzi Pracownię Projektowania Krytycznego, pracuje także jako niezależny projektant i artysta. Specjalizuje się w projektowaniu produktu, głównie urządzeń elektronicznych. Drugim biegunem działalności Daniela Zielińskiego jest OBMS — jednoosobowy Ośrodek Badania Mediów Sztuki. Ta fikcyjna instytucja służy jako obudowa artystycznych działań autora. Obiekty powstałe w ramach OBMS to narzędzia studiów nad warsztatowymi problemami sztuki, które umożliwiają również ich interpretację w kontekście problemów współczesnej kultury. Większość obiektów to prototypy, powstałe w zaledwie kilku egzemplarzach.

Na zajęcia przygotować: kartki A3 i A4, flamastry

Zajęcia będą skupione na pracy warsztatowej, która pozwoli usystematyzować poznane podczas kursu podstawowe elementy i czynniki konstytuujące produkty oraz proces projektowy. Będziemy zwracać uwagę uczestniczek i uczestników warsztatów na kontekst, właściwości konstrukcyjne materiałów i ich wpływ na budowę formy przedmiotu. Wspólnie przećwiczymy operowanie środkami wyrazu plastycznego w kontekście projektowania zorientowanego na rzeczywiste potrzeby użytkownika.

Bronka de Sage otrzymała dyplom magisterski z wzornictwa przemysłowego w Central Saint Martins w Londynie. Wcześniej studiowała na Wydziale Form Przemysłowych Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie oraz Uniwersytecie Jagiellońskim. Brała udział w tworzeniu projektów dla takich marek jak Kenzo Parfums, Chandon, Visa Europe, Huawei czy LG. Współtworzyła projekty zorientowane na społeczność m.in. we współpracy z radą dzielnicy Camden w Londynie. Od 2022 roku związana z Wydziałem Wzornictwa warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych.

Jan Buczek jest absolwentem Wydziału Wzornictwa Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie oraz podyplomowych studiów z zakresu zarządzania wzornictwem na kierunku Design Management w Szkole Głównej Handlowej oraz Instytucie Wzornictwa Przemysłowego. W 2008 roku odbył stypendium naukowe w Szwajcarii w Zürcher Hochschule der Künste na wydziale Industrial Design.

Na zajęcia przygotować: kartki A3 i A4, ołówki, cienkopisy, flamastry, gumkę, linijki, ekierki, cyrkiel, blok techniczny A4, nożyk do cięcia papieru lub nożyczki, podkładki do cięcia.

Zajęcia będą poświęcone krytycznemu spojrzeniu na projektowanie mody w kontekście współczesnych problemów i zagrożeń zdefiniowanych przez dzisiejszą politykę, ekonomię, socjologię i kulturę.

Janusz Noniewicz jest kierownikiem Katedry Mody Wydziału Wzornictwa ASP w Warszawie. Zajmuje się badaniem mody w kontekście teorii i praktyk krytycznych. Jego projekty były prezentowane w ramach wystaw krajowych i międzynarodowych m.in. w Austrian Culture Center Gallery w Londynie, MQ w Wiedniu, CSW Zamek Ujazdowski w Warszawie, BWA w Tarnowie, Galeria Slendzińskich w Białymstoku. Brał udział w konferencjach naukowych w ASP w Warszawie, UJ w Krakowie, UAM w Poznaniu.

Na zajęcia przygotować: papier i długopis do notowania.

Wykład wprowadzi przyszłe osoby studenckie (i nie tylko!) w problematykę zagadnień związanych z historią i teorią mody. Spotkanie pozwoli zrozumieć czym jest fenomen mody, jak historycznie kształtował się jej obraz i jak stawał się tematem badawczym. Duży nacisk położony zostanie na analizę mody w kontekście sztuki.

Aleksandra Jatczak-Repeć jest obserwatorką branży mody, historyczką mody i sztuki, absolwentką Instytutu Historii Sztuki UW, gdzie uzyskała tytuł doktora sztuki, dzięki pracy badawczej poświęconej powszechnej modzie powojennej (2020). Od 2010 roku prowadzi pracownię Historii i Teorii Mody w Katedrze Mody Wydziału Wzornictwa Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie, inicjuje interdyscyplinarne warsztaty i realizuje projekty międzyinstytucjonalne. Jest kuratorką wielu wystaw o modzie, konsultantką merytoryczną projektów z zakresu historii mody, m. in. polskiej edycji autobiografii Christiana Diora, anglojęzycznej publikacji Reason and Flair. A Century of Fashion in Poland czy multimedialnego przewodnika Instytutu Adama Mickiewicza o historii polskiej mody. Jatczak jest także autorką artykułów naukowych i popularnonaukowych z dziedziny sztuki, publikowanych m. in. na łamach “Vogue.pl”.

Na zajęcia przygotować: papier i długopis do notowania.

Kamila Wagner — dziennikarka, redaktorka mody z ponad 11-letnim stażem w czołowych polskich magazynach. Doświadczenie zdobywała w Glamour, następnie prowadziła dział mody i wnętrz w Wysokich Obcasach i Wysokich Obcasach Extra. Od ponad czterech lat związana z Vogue Polska. Specjalizuje się w tematach związanych ze społecznym wymiarem projektowania, zrównoważonym rozwojem i nowymi technologiami w modzie.

Moda jest zjawiskiem ulotnym. Ma jednak niezwykła siłę sprawczą, która wpływa na rozwój przemysłu, nadaje kierunek sztuce. Najcenniejsze jest to co po sobie pozostawia, a co nie jest już modą, a jej przeciwieństwem. Materialnym świadectwem minionej epoki, które urzeka nas pięknem zamkniętym w spłowiałych i nadwątlonych przez czas tkaninach. Tkaniny, o których będzie mowa na wykładzie są pretekstem do pokazania tajemnic rzemiosła tkackiego, mało znanej dziedziny sztuki pozostającej na usługach mody. Historia tkanin to historia cywilizacji, przenikania się kultur i ich wzajemnego oddziaływania. Wzory na tkaninach to nie tylko plastyczne kompozycje, to zamknięty w zdobniczych formach obraz świata  przekazywany z pokolenia na pokolenie. Nić tkacka łączy nas z naszymi przodkami, jak zapisany w łańcuchach chromosomów kod genetyczny.

Ewa Orlińska-Mianowska — historyczka sztuki, kuratorka Zbiorów Sztuki Zdobniczej w Muzeum Narodowym w Warszawie, wieloletnia kustoszka Kolekcji Tkanin. Autorka i współautorka katalogów, słowników, tekstów naukowych i popularnonaukowych. Popularyzatorka wiedzy o tkaninach zabytkowych i modzie historycznej. Kuratorka wystawy Modny świat XVIII i początku XIX wieku w Muzeum Narodowym w Warszawie (2003).

Na zajęcia przygotować: papier i długopis do notowania.

Podczas spotkania spróbujemy zrozumieć, czym jest widzenie i w jaki sposób procesy poznawcze przekładane są na język obrazu. W procesie tym wiodącą rolę odegra rysunek odręczny, który stanowi podstawowe narzędzie w aktywnościach zarówno kreatywnych jak i tych, pozornie niezwiązanych z działalnością twórczą. Za pomocą rysunku poddamy przedmioty analizie, poznamy materiał z jakiego zostały wykonane, ich kształt, formę oraz charakter i różnorodność. Wyznaczymy skalę i zależności przestrzenne. Zobaczymy przykłady, w których język rysunku i myślenie rysunkowe przekładają się na projektowanie ubioru.

Agnieszka Rożnowska jest artystką wizualną, graficzką, pedagożką, profesorką. ASP w Warszawie. W swojej twórczości podejmuje problem relacji międzyludzkich, zależności człowieka od przestrzeni oraz jego kondycji w czasach chaosu i masowej konsumpcji. Refleksję intelektualną zawiera najczęściej w cyklach, bez ograniczeń co do medium czy techniki.  Zrealizowała szereg warsztatów, wystaw indywidualnych i zbiorowych w Polsce i zagranicą. Od 2010 roku prowadzi Pracownię Rysunku w Katedrze Mody warszawskiej ASP, która przygotowuje przyszłych projektantów do umiejętnego wykorzystywania warsztatu rysunkowego – niezastąpionego narzędzia w procesie kształtowania i formalizowania wypowiedzi, zapisu procesu myślenia i tworzenia.

Na zajęcia przygotować: miękkie grafity, miękkie ołówki, czarny tusz, gumka, cienkopisy, pędzel / zapewniamy arkusze brystolu w formacie B1.

Jeśli potrzeba jest matką wynalazku, to jakie wyzwania formalne stawia przed odzieżą przetrwanie z dala od cywilizacji? Skoro w projektowaniu forma podąża za funkcją, to jakich efektów możemy spodziewać się w trudnych warunkach życia? Czy możliwe jest projektowanie rozwiązań wolnych od reprodukowania trendów i stylistyk? Na zajęciach podejmiemy refleksję nad formami odzieżowymi odpowiadającymi podstawowym ludzkim potrzebom.

Agata Maciejewska – z wykształcenia projektantka odzieży, pracuje w zawodzie od 17 lat. Ma doświadczenie w pracy dla firm zewnętrznych oraz w prowadzeniu własnej marki odzieżowej. Interesuje ją etyka i ekologia w praktykach twórczych oraz w przemyśle odzieżowym. Pasjonatka rzemiosła, promotorka robótek ręcznych i wielbicielka sztuki prehistorycznej. Od dwóch lat uczy projektowania odzieży oraz podstaw szycia w School of Form USWPS.

Na zajęcia przygotować: papier (format A4 lub A3), narzędzia do rysowania; mile widziane kredki, flamastry, akwarele — to, czym lubisz szkicować.

Na zajęciach uczestnicy i uczestniczki dowiedzą się m.in. jak przygotować portfolio, jak wybrać i pokazać prace tak, aby zaprezentować swoje umiejętności i osobowość artystyczną. Spotkanie będzie składało się z wykładu wprowadzającego, ćwiczenia graficznego i korekt.

Dominika Raczkowska-Wirkowska jest graficzką, absolwentką warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych, gdzie przez cztery lata była asystentką prof. Grażki Lange w Pracowni Typografii Wydziału Grafiki. Dyrektorka artystyczna czasopism: „Dziennik–Gazeta Prawna”, „Puls Biznesu”, „Tygodnik Biznes i Prawo”. Prowadzi własne studio graficzne, a od 2013 roku specjalny kurs projektowania graficznego dla studentów Katedry Mody Wydziału Wzornictwa ASP w Warszawie.

Na zajęcia przygotować: papier formacie A3 lub A4 (40-50 arkuszy), szkicownik, klej, nożyczki, taśmy klejące, flamastry, pędzle, tusze albo farby, kubeczki na wodę (opcjonalnie stare gazety modowe i kawałki materiałów)

Podczas zajęć zostanie zaprezentowany temat, do którego osoby uczestniczące będą się odnosić w sposób przestrzenny. Powstałe odpowiedzi staną się pretekstem do rozmowy o formie rzeźbiarskiej w kontekście przestrzeni i sylwetki człowieka. 

Cezary Koczwarski — artysta, rzeźbiarz, twórca i autor realizacji wideo. Wykształcony w legendarnej pracowni Grzegorza Kowalskiego na Wydziale Rzeźby warszawskiej ASP. Laureat wielu nagród dla młodych artystów. Stopień doktora uzyskał na Wydziale Rzeźby. Od 2011 roku wykłada w Pracowni Rzeźby prof. Wiktora Gutta.

Na zajęcia przygotować: nożyczki / zapewniamy arkusze czarnego i białego papieru w formacie B1.

Celem zajęć jest przybliżenie w jaki sposób przeistoczyć pomysł w projekt, a następnie stworzyć trójwymiarową bryłę odpowiadającą sylwetce człowieka. Osoby uczestniczące w zajęciach będą mogły poznać podstawowe metody realizacji rozwiązań konstrukcyjnych na płaszczyźnie oraz sposoby modelowania przestrzennego oraz dowiedzieć się w jaki sposób czytać projekt oraz umiejętnie przygotować przestrzeń do jego realizacji. W trakcie spotkania uczestnicy przeprowadzą próby realizacji projektu w wybranej i omówionej metodzie konstrukcji i modelowania form ubioru.

Krzysztof Skorupka — projektant, konstruktor, pedagog. Absolwent Wydziału Tkaniny i Ubioru Akademii Sztuk Pięknych w Łodzi. Finalista i laureat konkursów krajowych i międzynarodowych w dziedzinie projektowania ubioru m.in.: Smirnoff, Złota Nitka, Yk2 Gorizia Italia, Oscary Mody, Bilderwelk Berlin. Współpracuje z największymi markami odzieżowymi w ramach przygotowania kolekcji i wdrażania ich do produkcji. Od 2015 roku prowadzi zajęcia w Pracowni Konstrukcji i Technologii Ubioru. W swojej działalności zawodowej i naukowej zwraca szczególną uwagę na nierozerwalny związek pomiędzy projektem (dzieło), a rzemiosłem (realizacja produktu) co stanowi o sensie, powodzeniu, jakości i sukcesie twórczym jak i zawodowym

Na zajęcia przygotować: ​szkicownik, przybory do szkicowania, nożyce, szpilki

Na zajęciach uczestnicy i uczestniczki zinterpretują zadany temat, projektując w formie rysunkowej/kolażowej sylwetki modowe. Zastanowimy się nad przekazem i interpretacją tematu, analizując w praktyce proces projektowy. Przyjrzymy się możliwym rozwiązaniom w kontekście kulturowym oraz zastanowimy się nad sformułowaniem idei kolekcji oraz dobraniem środków wyrazu, które najlepiej ją oddają. 

Zuzanna Srebrna — absolwentka Wydziału Sztuki Nowych Mediów oraz Wydziału Rzeźby warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych. Scenografka, kostiumografka, rzeźbiarka i twórczyni instalacji. Od 2010 roku zrealizowała scenografię i kostiumy do ponad trzydziestu spektakli, w najważniejszych ośrodkach teatralnych w całej Polsce. Wiele z nich otrzymało prestiżowe nagrody oraz było pokazywanych na najważniejszych festiwalach w Polsce, a także za granicą (m.in. The Edinburgh Festival Fringe, Polish Season in China, Boska Komedia w Krakowie, Kontrapunkt w Szczecinie).

Na zajęcia przygotować: papier formacie A3 lub A4, szkicownik, klej, nożyczki, taśmy klejące, flamastry, cienkopisy, pędzle, tusze albo farby, kubeczki na wodę, stare gazety, kawałki materiałów, folii, kolorowych papierów, smartfon z połączeniem internetowym.

Monika Dołbniak jest projektantką sensoryczną i badaczką. Specjalizuje się w projektowaniu przyjaznych sensorycznie tekstyliów i mody dla użytkowników w spektrum autyzmu i wysokowrażliwych. Projektantka bada w jaki sposób tworzyć tekstylia wielozmysłowe, które poprawiają interakcję obiekt-użytkownik. W trakcie swoich badań projektuje różne zastosowania tekstyliów dla obiektów, ubrań i przestrzeni, aby opracować narzędzia komunikacyjne, które pomagają wyobrazić sobie poczucie komfortu w różnych scenariuszach sensorycznych. Monika Dołbniak posiada tytuł licencjata w zakresie odzieży damskiej z London College of Fashion oraz tytuł magistra w zakresie projektowania tekstyliów z Royal College of Art. Jest również absolwentką Westminster Kingsway College, gdzie studiowała zdrowie psychiczne i wsparcie dla młodych osób w spektrum autyzmu.

Na zajęciach zajmiemy się projektowaniem, interpretacją i realizacją pomysłów na tkaniny w groszki. Zastanowimy się jaki charakter i jaką formę mogą przybierać groszki na tkaninie i przy pomocy jakich technik pracy z tkaniną można je zrealizować.

Magdalena Komar jest projektantką tkanin, absolwentką paryskiej ESMOD, którą ukończyła z nagrodą specjalną Michele Lemaire oraz Multi Media Textiles w Loughborough College of Art and Design. Zajmuje się projektowaniem nowoczesnych haftów, aplikacji i wzorów na materiały do kolekcji prêt-à-porter i haute couture. Jej projekty zostały kupione przez takie firmy jak Donna Karan i DKNY, Alexander Wang, Chanel, Calvin Klein Home, Diane von Furstenberg, Kate Spade, Banana Republic, Victoria’s Secret, Atelier Montex, Fendi inne. Od 2010 roku prowadzi Pracownię Projektowania Tkanin na Katedrze Mody warszawskiej ASP. W 2019 roku ukończyła studia socjologii w Collegium Civitas w Warszawie, w 2022 uzyskała stopień doktora na Wydziale Wzornictwa Przemysłowego w Warszawie.

Na zajęcia przygotować: igłę, nitkę, nożyczki, cyrkiel, papier kolorowy w dowolnym formacie, blok papieru w formacie A3, farby, flamastry, klej, sznurek, linijkę